学音乐的人都应该了解的理论知识-下

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本文要讲解的是基本的音乐理论，会涉及到一些数学和物理的相关内容。对这些知识的掌握可以加深我们对音乐本身的理解，并且引导我们处理许多音乐相关的问题。希望越来越多的人能了解音乐，进而学习音乐或者更好的欣赏音乐。

本节内容：8-乐器；9-现代音乐制作

8. 乐器(Musical instrument)

前面讲的是通用的五线谱的内容，下面我们了解一下不同的乐器是如何记谱的。

钢琴(Piano)

钢琴算是最常用的乐器了吧，五线谱也是明显适应钢琴的结构设计的，所以有了前面的知识，看钢琴谱应该没什么问题。我们看一看经典的钢琴曲谱是怎样的，如下图所示。可以看到从低到高可以分为大致四个部分，最低的低音旋律线，其他低音谱表的和弦与音符；最高的旋律线，其他填充在高音谱表上的和弦与音符。也就是说钢琴往往同时控制四个声部，当然不是所有钢琴曲都是这样复杂的模式，但是这种模式可以充分看出钢琴在操纵音符中所具有的表现力。

钢琴曲音符的规划会尽可能利用手指的结构。例如低音旋律线一般由左手小指演奏，建立和声中的基本泛音列，然后再由左手其他手指演奏其他低音音符，在合奏的情况下钢琴可以不弹奏和弦根音留给其他乐器。而高音谱表最高的旋律线，往往用右手小指来演奏，其他的手指演奏中间的音。注意上图第二行高音谱表下方的>标记，表示演奏的力度大一些，从而把主要旋律和其他辅助音在音量上分层，你会发现钢琴经常要求你用小手指弹最重的音。。。

钢琴谱另一个容易看到的就是谱表下面重复的记号Ped.和*，代表踏板踩下和松开。踏板是钢琴重要的组成部分，不踩下踏板的话，按下琴键发声，松开琴键会有制音器使发声停止。踩下踏板的话就不会使用制音器，弹奏的音会发声到自然衰减，这样可以在小节内营造浓厚的和声氛围，不过在下个和声低音出现前要松开踏板以免混浊。不使用踏板的音乐需要手指全程控制音符的发声和结束，拥有更细腻的表现力，对手指提出了更高的要求。上面说的踏板指的是右踏板延音踏板，钢琴有三个踏板不过其他两个很少用。

吉他(Guitar)

吉他是使用者众多的乐器，吉他经常使用另一种图形谱，六线谱来记谱。六线谱用数字代表吉他指板上的特定位置，比较简单易懂。不过很多场合，吉他也会使用五线谱记谱或五线谱六线谱一起使用。吉他有原声吉他(Acoustic guitar)和电吉他(Electric guitar)之分，记谱上大同小异，只是电吉他记谱经常需要标记很多演奏技法。要看吉他谱首先要了解吉他的结构，也就是乐音是如何在吉他指板上排列的，我们这里是抱着吉他从上往下看指板的角度。

首先吉他有六根弦，每根弦空弦音高各不相同，指板上有大量的格子可以控制弦振动的长度从而发出十二平均律中的每一个乐音。最粗最靠上音高最低的是⑥弦，向下依次⑤④③②①弦，定音分别是E2，A2，D3，G3，B3，E4。可以看出⑥弦和①弦跨了两个八度，⑥弦是中音区左边再左边区域组的E，在五线谱上是低音谱表下加一线的E。吉他指板上分割的格子叫做品位(Fret)，可以用数字指代，空弦是0，从左向右数依次是1，2，3…到12时每根弦都包含了一个八度所有的音，注意12右边竖条品丝的位置，这里是整个弦长的1/2泛音点。

为了配合左手四个手指，弹奏吉他一般是在连续四个品位即4*4面积内完成的，这个位置可以左右移动，叫把位。如果注意把位内每根弦01234位置的音，依次升高到4换下一弦，会发现除了②③弦之间，基本上是按照半音阶连续变化的，这就和钢琴键盘一样了，只要从中选出当前调需要的音阶就可以了。事实上还可以更简单，吉他很多时候弹奏和弦是采用固定的指法，假如有了当前调音阶所需要和弦的指法位置，只要向右移动手的位置就可以实现移调，每右移一个品位整体升高半音，就可以弹奏十二个调上的和弦了。

使用变调夹夹住特定的品位，相当于移动了弦枕的位置，可以让变调后的指法更为简单。一般手指放在1,2,3,4位置是对应C大调的，食指在1的位置，假如用变调夹夹在有圆点的5位置会变成F大调，手指对应6,7,8,9处，变调夹夹在7品是G大调9品是A大调，12品处两个圆点移动了一个八度。如果变到B大调11处可能会右移过多，经常会把所有弦整体调低半音来实现变调。除此之外为了实现特殊的演奏，也可以采用特殊的调弦或定音方式。

有兴趣可以把吉他指板和钢琴键盘上对应的音名都画一下，标出自然音阶。参考下图，从上到下依次是①②③④⑤⑥弦，从左到右依次是0-12品。

下面看一下吉他谱是什么样的。很明显，六线谱每条线对应吉他上相应的弦，而线上的数字代表品位。另外，为了方便起见，吉他的五线谱是高八度记谱的，实际的音比标记的音低八度。例如下图第一行第一个音(不是那个小音符)，看六线谱是①弦5品，查上表是A4，而对照的五线谱上的音是A5。下图谱中展现了三把吉他的合奏。第一把是单音旋律，第二把是柱式和弦或扫弦，第三把是分解和弦或琶音。图中还涉及到一些吉他技巧，这里只简单说一下。

第一行谱有的相邻音之间有连线，其中标明字母的使用了吉他技巧，有的记谱风格用折线不用弧线。S指滑弦(Sliding)，看六线谱可以看到手指位置在同一弦上移动；P是勾弦(Pull-off)，是同一弦上的邻近音，音高下行；还有一种标H，是锤弦(Hammer-on)，也是同一弦上邻近音，音高是上行，后面谱子会有。具体演奏方法可以参考相关教程，简单举例就是假如食指按住一个品位弹出来，中指敲击同一弦得到上行锤弦音，或者中指弹出音后离开时拨动弦，得到食指位置的下行勾弦音。第一行最后的波纹是颤音(Vibrato)，一般靠左手手指左右滑动制造的，也有上下推拉弦制造颤音或者摇动电吉他摇把制造颤音的方法。另外图中没有的吉他常用的技巧还有推弦(Bend)，会得到音高的滑动，按推的距离有推全音半音1/4音等等。

第二行谱开头竖着的波纹是扫弦，箭头表示扫弦方向。X是左手制音，这种是左手不把弦按实从而得到发声不完全的噪音，一般是打节奏的。斜杠/表示和前面和弦的音一样只是省略了，对于有规律扫弦的谱子往往都是斜杠，和弦靠和弦名或和弦指法图来标明。结尾的g和弧线是无定向滑弦(gliss)，或者说随性撸琴颈，音高变低是向左滑。下图的谱基本演示了吉他的三种常用用法，不过是原声吉他的，电吉他也类似不过放到下节讨论。

翻译是自己加的，有的不确定。一堆日式英语，不过国内吉他教材确实很多日本的。把推弦说成choking是日式的，英文还是bending。另外日式的记谱和西方有点区别，参考后一张图。

电声乐队

大多数流行音乐都是多种乐器一起演奏的。使用乐器的种类相对比较固定，一般包含电吉他，电贝斯，架子鼓/爵士鼓，还有合成器。

电吉他(Electric guitar)不像原声吉他那样靠木质共鸣箱放大声音，而是靠拾音器把弦振动转换成电信号，通过线缆通向放大器和音箱发声。信号传输中可以连接效果器处理信号从而改变音色，电吉他的音色类似引擎发动的声音，是一种波形过载的效果。

电贝司(Electric bass guitar)，与电吉他类似不过弦的音高比较低，一般只有四根弦，也有五根弦或更多的，定音和吉他较低的四根弦音名相同，但是低八度，也就是说分别是E1,A1,D2,G2。电贝司是专门用来演奏低音旋律线的，相应的可以用与吉他类似的四线谱记谱，五线谱记谱时用低音谱号，不过实际的音比五线谱记的音还要低八度，可以参考下图。

架子鼓(Drum kit)的话是用来打节奏的，主要靠右脚踩的低音鼓(Bass drum)和手拿鼓槌敲的军鼓(Snare drum)构成节奏主体，另外左脚有一个踩镲(Hi-hat)，踩的话会擦擦擦的发声，不过一般踩镲也是用手敲的，脚可以控制开合两种状态，敲起来音色不同，一般叫开镲o和闭镲+。除此之外还有数个定音不同的通鼓(Tom-tom drum)和几种铜盘状的镲(Cymbal)，一般是用来渲染气氛的，可以百度或维基了解更详细的内容。

合成器(Synthesizer)是一种电子键盘，内置各种声音的录音采样，除了可以发出钢琴的声音外，也能发出很多其他乐器的音色或者效果音，并且合成制造自己需要的音色。演奏合成器与钢琴区别并不大，此外还有电钢琴可以选择。

一首音乐作品的记谱往往会包含以上所有乐器，所以有必要了解这些乐器是如何记谱的。除了乐器，人声也是许多音乐中重要的组成成分，也会记在谱上。

如下图所示，是某歌曲中间间奏的一句，第一行是人声不过这里没有歌词。第二第三行是弦乐，分了两组，一般是小提琴合奏或者用合成器中的音色代替。

然后我们可以看到第一把电吉他和第二把电吉他的谱子几乎完全相同，这是一种常见的用法，虽然谱子相同，但是电吉他输出的信号会分别发送到两个声道，由于演奏会有微妙差异会形成特殊的立体声效果。这里用到的音可以看到都是五度音叠加，这种叫强力和弦(power chord)，是电吉他常用的构成节奏的方法。注意其中有的音标了小x，这是右手闷音或手掌闷音(Mute)，就是用右手掌制音。这样既可以构成节奏也可以削减电吉他过于尖锐的声音，有的记谱中会用M表示，并用方括号标明范围，相同和弦音也可以用斜杠/省略，这里用x是软件排版限制。

注意第三把吉他，这把电吉他演奏的是这段音乐的主旋律，或者说这是吉他solo部分，可以看到大量的技法被使用，音切换的速度也非常快，吉他solo可以很好的调动听众的情绪。第三把电吉他中间的Arm.是使用摇杆制造颤音，有的音符上的圆圈是人工泛音(Artificial harmonic)，音符前的弧线是无定向滑弦。H和P前面说过了，最后的tr~是反复弹相邻两个音的颤音(Trill)。还有一种容易弄混的是震音(Tremolo)，是在符干上加斜杠表示反复弹同一个音或相邻的音，或者用粗横杠连接两个音符就是重复弹奏这两个音符。电吉他的技巧很复杂，可以查阅相关资料或教材。

然后是电贝司的记谱，大概没什么可说的，注意五线谱是高八度记谱就可以了，例如下图开始是空弦E1，五线谱记的E2，电贝司也有一些演奏技巧可以参考相关书籍。

鼓谱的话虽然没有标音高的需要不过我们一般是看成低音谱表的，其中A2的位置是低音鼓，E3的位置是军鼓。而上面D4处连续的x是镲，一般是踩镲不过这个位置似乎是其他镲。后面的G3位置的是通鼓，基本除了底鼓军鼓其他的黑点音符都是通鼓，高低代表不同鼓音高的不同。架子鼓的记谱标准也不是很统一不过区别不是很大，可以查阅资料或具体情况具体分析。

管弦乐(Orchestra)

现代流行音乐使用电声乐器就可以得到丰富多样的音响效果，不过从音乐历史上看，种类众多的管弦乐器长期充当着演奏宏伟音乐的重要职责，留下了大量的经典作品。即使是现在，除了专门演奏管弦乐的场合之外，这些种类繁多的乐器也被广泛使用着。下面我们就了解一些这些乐器有哪些，并且是如何记谱的。

下图是肖邦第一钢琴协奏曲的开头，算是比较齐全的编制了。管弦乐总谱一般分为几个部分，例如下面第一到四行是木管乐器组(Woodwinds)，第五到八行是铜管乐器组(Brass)，之后单一行是定音鼓(timpani)或者打击乐器组(Percussion)，最后五行是弦乐组(Strings)。管弦乐的记谱就是一般的五线谱，并没有什么特别的。下面每行谱子最开始的单词是乐器名，不过是意大利语。平时记乐器名还是以英语为准的，能看到名字知道是什么乐器就可以了，不知道也可以百度。下面分别说明一下各个乐器。

木管乐器组从上到下依次是长笛(Flute/Flauti)，双簧管(Oboe/Oboi)，单簧管或黑管(Clarinet/Clarinetti)，大管或巴松(Bassoon/Fagotti)。前面的I和II表示至少需要两把来演奏两个和音。注意单簧管下面的in sib，si是唱名或意大利名，英文音名是B。指单簧管是移调乐器(Transposing instrument)，这里是在Bb调，许多管乐器最常用都是Bb调的。移调乐器就是乐器的发音方式有限，所以需要制造许多种来适应不同调的演奏，每种用同样的指法弹奏的自然音阶都是对应调的。这里的Bb单簧管，我们知道Bb调是两个降号，那么调号加三个升号就移动到了乐曲中一个升号的G大调(其实这是e小调协奏曲)，乐谱上C的位置实际上是低大二度的Bb，所以我们看第二小节开头(不计弱起)的两个音分别在C#和G#位置上，其实实际音高在B和F#上，对比上一行双簧管乐谱的第二小节两个音，正好是B和F#，所以不同乐器实际音高是相互匹配的。

铜管乐组依次是圆号(French horn/Corni)，小号(Trumpet/Trombe)，长号(Trombone/Trombone)。圆号用了四把，占了两行五线谱，注意到圆号也是移调乐器，in fa是F调圆号，F大调是一个b号，由于和G大调一个升号差别不大所以没有加别的调号，C的位置实际是低五度的F，看第二小节第一个二分音符，谱面音是F#，实际音高是B。小号也是移调乐器…Bb调小号，本页只有两个音，谱面是F#，实际音高是低大二度的E。

定音鼓(Timpani)是可以调整为特定音高的打击乐器，一般就准备几个音，因为配合e小调，开始的音是E，符干上两个斜杠代表滚奏，其实这也是震音的记号，就是两个鼓槌快速交替敲击。定音鼓在敲击结束会用手按住制音以免发声时间过长。

弦乐组是看起来比较容易的，首先是小提琴(Violin/Violini)，分为第一小提琴和第二小提琴，一般一个是主旋律一个是和音。之后是中提琴(Viola/Viole)，这里用的谱号是中音谱号，正中的线是C4，所以开始几个音是B3。然后是大提琴(Cello/Violoncelli)，使用低音谱号记谱。最后是低音提琴(Double bass/Contrabassi)，同样使用低音谱号记谱，不过实际音高比谱面音高要低八度，也算移调乐器。

谱中用到的乐器就说这么多，实际上还可以使用许多种类的乐器，例如短笛(piccolo)，大号(tuba)，上低音号(euphonium)…还有一些打击乐器或者敲击的键盘乐器如马林巴钟琴等等就不列出了，可以参考配器法教材或相关乐器资料。管弦乐队的编制和人员位置都是有规定的，以获得最好的音响效果。图中这种总谱虽然看起来很复杂，不过一开始可以找到演奏主旋律的乐器，例如这里开始主旋律乐器是第一小提琴。

9. 现代音乐制作

由于计算机技术和电子技术的发展，现代的音乐制作和以前大不一样了。计算机是音乐制作的中心，各种乐器的声音都可以输到计算机之中，经过计算机的编辑，制作好的成品通过网络或其他介质进行传播，拥有智能手机或其他播放设备，随时随地都能欣赏到丰富多样的音乐。

MIDI

计算机可以用数字形式存储不同种类的信息，例如图像，视频，声音，文字，自然也可以存储乐谱。用计算机存储乐谱有一个统一的标准，就是midi了，有了这个统一的标准，不同设备间就可以相互传输乐谱信息，可以用midi键盘把音符信息输入到计算机中，也可以用计算机中的midi控制存有声音样本的虚拟乐器，从而演奏出音乐来。查看和编辑midi信息需要midi编辑器，这是大多数音乐软件都具备的功能。midi形式的乐谱是更加简洁的图解形式，如下图所示。

在计算机中，midi信息使用代码记录所有音符的音高、开始时间结束时间、速度力度以及其他需要的信息，使用音乐软件可以查看编辑这些代码。当然，计算机也可以编辑处理五线谱，背后也是一套代码，可以转换成midi标准的形式，也可以生成图形化的五线谱形式，编辑五线谱就间接编辑了midi。我们可以使用乐谱软件制作用来平时使用或出版的乐谱，例如本文中的例谱是用Sibelius编辑的。有了强大的音乐软件，或一般称之为数字音乐工作站(DAW)，我们可以直接在软件中编辑音乐信息，用鼠标或许不太方便，一般用midi键盘来输入音符，可以得到接近实际乐器演奏的效果。通过使用计算机中的虚拟乐器，可以不借助他人或各种专业演奏者，一个人就能用计算机制作出高水平的音乐成品来。所以说现代计算机技术令每个人都可以成为音乐创作者。

音频处理

这里我们讨论一下计算机是如何传输和处理声音的。虽然可以用midi来存储乐谱和演奏虚拟乐器，但是最佳的音乐还是需要人来实际演奏，所以，制作音乐的计算机大多数时候处理的是乐器演奏或人演唱的录音样本。用话筒分别录制不同的乐器，把声音输入到计算机之中，对不同乐器的录音进行处理，最终混合在一起得到最终的音乐文件。

为什么要分别录音而不是直接一个话筒录出最终成品呢。这要了解计算机是如何存储声音的，每个声音文件都记录了持续发声的波形，也就是每一微小时刻的声音的振幅。但是，计算机采用数字存储，存储的是波形叠加后的结果，受到采样精度和存储容量限制，记录的声音会丢失大量本来的信息。同时，假如要录制乐器合奏，话筒的位置就必须放在听众的位置上，这样拉开了与乐器的距离，由于声音传播的损耗和其他乐器的干扰，乐器发声的细节就不能被完全记录，也意味着损失了大量的信息。所以实际录音时，话筒会放在离乐器非常近的合适位置，例如歌手演唱时话筒也是拿的非常近的，这样使用多个话筒尽可能把每个乐器的声音细节都采样到完美。

输入到电脑中的声音文件，可以做简单的编辑如剪切拼接，也可以使用效果器软件来调整声音效果，例如声音的音量，动态，位置，细节效果。因为最终数字存储的容量和回放设备的播放能力是有限的，所以在合成不同来源的录音时，突出主要的乐器，降低次要的乐器，处理不同乐器波形的强度和频率，从而最大限度利用数字存储的空间。

例如，虽然一般编辑波形处理的是音量大小，但使用傅立叶变换后就可以编辑声音在频率上的信息，切除不需要的频率再转换回去可以节省大量数字存储空间，这叫滤波，也可以借此改变不同频率的比率来改变声音氛围，这叫均衡。

还有一个常见操作是声音压缩，可以让本来的声音听起来更响，这不是简单的提高整体振幅就能实现的，实际上通过压低声音样本的峰值，再整体增益，相对的就会提高样本中本来较小的声音，在我们听来就是声音的细节变得更清晰和容易听到了，也就显得声音更响了。对不完美的人声录音可以修改音高和时值，得到更好的效果。

另外，很多录音是在录音室中进行，录音室墙壁采用吸音材料，可以消除环境的回音，得到更纯粹的录音效果。而没有环境回音听起来会不自然，所以在计算机中加入人工的混响效果，可以模拟在各种室内环境中的录音效果。

总之，多轨录音技术让计算机处理声音有了非常大的自由度和可操作空间，从而得到质量更高的成品音乐。这项工作在音乐制作流程中叫做混音，是音乐制作中不可或缺的存在。要进行音乐制作，相应的需要准备各式各样的电子设备，而硬件和软件的使用方法也需要进一步学习。